miércoles, 1 de febrero de 2012

JUNO O LA MADUREZ ADOLESCENTE


TÍTULO ORIGINAL: Juno
AÑO: 2007
DURACIÓN 92 min.
PAÍS: EUA
DIRECTOR: Jason Reitman
GUIÓN: Diablo Cody
MÚSICA: Matt Messina
FOTOGRAFÍA: Eric Steelberg
REPARTO: Ellen Page, Michael Cera, Jennifer Garner, Jason Bateman, Olivia Thirlby, J.K. Simmons, Allison Janney, Rainn Wilson

Juno McGuff tiene 16 años y acaba de descubrir que está embarazada de su mejor amigo Bleeker. Aunque en un principio quiere abortar, finalmente decide tener al bebé y dárselo a una pareja que no pueda tener hijos. Durante los nueve meses siguientes, esta joven tendrá aún mucho que aprender…
Esta premisa en manos de cualquier guionista de Hollywood se hubiera convertido en una sucesión de clichés, chistes de pastelazo y “enseñanzas de vida” cursis y moralistas (¿acaso hay de otro tipo?). Afortunadamente, la responsable de la historia es Diablo Cody, una ex stripper que trabajó también en una hot line. Y el director es Jason Reitman, responsable de esa pequeña obra maestra del humor negro conocida como Gracias por fumar (después subiré otro post hablando de este filme).
El resultado: una cinta inteligente, sarcástica, crítica, pero al mismo tiempo entrañable. Esto último se lo debemos a Ellen Page, quien brinda una actuación extraordinaria y convierte a Juno en un ícono de la juventud lista e inconforme, sólo comparable a la Daria Morgendorffer de MTV.
Los diálogos son también increíbles. Diablo Cody logra un perfecto equilibrio entre el sarcasmo y el aprendizaje, dotando a sus personajes de humanidad, evitando que se conviertan en grotescas caricaturas o tristes parodias.
Y es que Juno puede ser joven, puede estar embarazada… pero no es estúpida ni irresponsable. De hecho, los adultos que aparecen en el filme sí lo son, al menos en su mayoría (los que pertenecen al stablishment) , en especial los posibles padres adoptivos: una es una perfeccionista y el otro es un hombre con crisis de mediana edad; la madre de Bleeker ya consideraba a Juno una mala influencia (por ser diferente, tal y como lo dice en una parte de la película) para su hijo incluso antes de que la joven se embarazara; la técnico en ultrasonido también juzga a Juno sin conocerla.
Por el contrario, el ambiente donde la joven se desarrolla y las personas con las que acostumbra convivir (Bleeker, su padre, su mejor amiga, incluso su madrastra) carecen de esa toxicidad que caracteriza a los otros personajes. Juno tal vez sea diferente, pero no es disfuncional.
Una pequeña joya que vale la pena ver, un filme divertido e interesante al mismo tiempo.
o 

lunes, 30 de enero de 2012

EL ORIGEN O LOS LABERINTOS DEL SUBCONSCIENTE


TÍTULO ORIGINAL: Inception
AÑO: 2010
DURACIÓN: 148 min.
PAÍS: EUA
DIRECTOR: Christopher Nolan
GUIÓN: Christopher Nolan
MÚSICA: Hans Zimmer
FOTOGRAFÍA: Wally Pfister
REPARTO: Leonardo DiCaprio, Ken Watanabe, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard, Ellen Page, Cillian Murphy, Tom Berenger, Michael Caine, Tom Hardy, Pete Postlethwaite, Lukas Haas, Dileep Rao

Dom Cobb es el mejor extractor de ideas del mundo: entra a los sueños de las personas y conoce todos sus secretos. Su habilidad hace que las mejores corporaciones lo contraten para extraer los secretos de sus rivales. Sin embargo, su último trabajo ha salido mal y se ve obligado a tomar un trabajo completamente atípico: insertar una idea en la mente del hijo de un magnate moribundo. Cobb, quien arrastra un pasado doloroso, verá en esta propuesta una oportunidad para regresar al lado de sus hijos. Pero el encargo es mucho más complicado y peligroso de lo que parece...
Esto es, a grandes rasgos, el argumento del nuevo filme de Cristopher Nolan. El origen es, sin duda, su mejor trabajo hasta el día de hoy. Se trata de una película de gran complejidad, en la cual su director nos adentra en el laberinto del subconsciente: sueños dentro de sueños dentro de sueños, creación y funcionamiento del mundo onírico, proyecciones del subconsciente, la culpa encarnada en un personaje al estilo femme fatale, etc. También propone temas como son la obsesión por el pasado, la incapacidad de diferenciar el sueño de la vigilia y las consecuencias de sembrar una idea en otra persona.
La propuesta de Nolan es arriesgada pero efectiva, pues se trata de un "filme de verano" inteligente, propositivo, exigente para el espectador; sus diálogos no están de más, todos encierran un sentido, una intención oculta del director. Y aún así, Nolan no sacrifica el entretenimiento (al igual que en su anterior filme Batman, el caballero de la noche), brindándonos grandes escenas de persecución, balaceras y peleas, perimitiendo el goce de todos los espectadores. Este delicado equilibrio entre propuesta y espectáculo, entre fondo y forma, hacen de El origen el mejor filme del verano 2010.
El concepto visual es también impresionante. El presupuesto que se le otorgó a Nolan para llevar a cabo su fantásía que planeó por más de diez años se refleja en el filme. Los paisajes oníricos, que van desde lugares nevados hasta ciudades que se encuentran en continua construcción, reproducen la sensación de encontrarse dentro de los laberintos de la mente y sacan jugo de todos los efectos visuales sin que el epectador sienta que la historia se sacrifica en aras de lo visual.
Finalmente, el filme cuenta con un gran reparto: Leonardo de Caprio, Joseph Gordon Levitt (de quien ya hablaré posteriormente, pues es el mejor actor de su generación) y Ellen Page (la inolvidable Juno del post anterior), Michael Caine (quien desafortunadamente apenas aparece en un par de escenas) y Cillian Murphy (el espantapájaros del primer Batman de Nolan).
El origen, más que una película, es una experiencia que hay que vivir.
o

domingo, 29 de enero de 2012

DE EXTRAÑAS FIGURAS DE CULTO: TOM SAVINI (1946- )


Es común hablar de “directores de culto” (David Lynch, por ejemplo) o de “actores de culto” (el caso más emblemático es el de James Dean), pero existen personas relacionadas con el cine que llegan a constituirse como verdaderos referentes en varios campos distintos. Probablemente, Tom Savini sea el mejor ejemplo de esto: actor, director, doble de riesgo, coordinador de dobles y artista de efectos especiales y de maquillaje.
Originario de Pittsburg, este genio pasó su adolescencia realizando maquillajes en su cuarto después de haber visto la película El hombre de las mil caras, con James Cagney. Hasta que una feria ambulante arribó al teatro local con un espectáculo cuyo título era: “Monstruos de Hollywood”; en él se exhibía al monstruo creado por el doctor Frankenstein y el hombre Lobo, pero carecía de conde Drácula, pues uno de los atractivos del show era que la audiencia fuera disfrazada de tal personaje para seleccionar a la mejor caracterización del vampiro, quien subiría al escenario con los otros monstruos. Está de más decir que Savini ganó. De hecho, su maquillaje era tan efectivo que la feria lo llevó a todas las representaciones realizadas en el área de Pittsburg.
Años después, sirvió como fotógrafo durante la Guerra de Vietnam. En 1970 mientras Savini estaba en su turno de guardia, vio que en la jungla se prendía una bengala. Savini disparó su arma hacia el lugar sin informar a sus superiores. Otros soldados se unieron a él hasta que salió un pato totalmente ileso de entre los arbustos. Debido a esto, Savini fue retirado de su puesto de guardia a la mañana siguiente. Esa misma noche fueron atacados y murieron varios soldados.
Su carrera cinematográfica inició de la mano del padre de las películas de zombies, George A. Romero, quien lo invitó a realizar los efectos de la película de vampiros Martin (1977). Al año siguiente, Romero lo llamó nuevamente para que se hiciera cargo del maquillaje y efectos (además de ser doble) de su película de culto El amanecer de los muertos (1978), película que lo consagró en el género al crear escenas de extrema violencia y grandes cubetadas de sangre. Años después, Savini llegaría a superarse en otra película de Romero El día de los muertos (1985). Este especialista trabajaría en el maquillaje de otros tres filmes de Romero: Creepshow (1982) y Creepshow 2 (1987), antecedentes de Cuentos de la cripta, y Monkey Shines (1988).
Pero el trabajo de Savini como especialista en maquillaje y F/X ha estado ligado a otros filmes de renombre dentro del género y a otros directores: trabajó con el director de culto Tobe Hooper en Masacre en Texas 2 (1986), Darío Argento en Trauma (1993) y Robert Rodríguez en Planet terror (2007). Además, se encargó de los efectos y maquillaje en las películas Viernes 13 (1980) y Viernes 13 4: el capítulo final (1984). En el caso de la primera entrega de las películas de Jason Vorhees también colaboró como doble de riesgo y en el filme de 1984, fue coordinador de dobles.


Como actor ha participado en los siguientes títulos: Maniac (1980), en la cual fungió también como encargado de efectos visuales; Knightriders (1981), de Romero; las ya mencionadas Creepshow (1982) y Creepshow 2 (1987); Del crepúsculo al amanecer (1996), de Robert Rodríguez, donde encarnó al inolvidable “sex machine”; Planet terror (2007), también de Rodríguez, y Los muchachos perdidos 2 (2008). Asimismo, hizo breves apariciones en el remake de El amanecer de los muertos (2004), dirigido por Zack Snyder (300Watchmen) y en La tierra de los muertos (2005), de Romero.
1990 fue el año de su debut como director en un remake a color de la película de culto de Romero La noche de los muertos vivientes (1968).
Además, apareció en un episodio de Los Simpson titulado “Worst episode ever”, aquel en el que el sujeto de la tienda de historietas sufre un infarto (justo en la presentación de Savini), por lo que Bart y Milhouse deben atender el lugar.

sábado, 28 de enero de 2012

CINE EXPRESIONISTA ALEMÁN


Este tipo de cine surge del movimiento pictórico y arquitectónico que recibe el mismo nombre. El expresionismo constituye el movimiento cinematográfico más importante en Alemania (y probablemente en el mundo) originado a partir del fin de la primera guerra mundial. En las obras pertenecientes a este movimiento, se muestra la realidad distorsionada por la interpretación subjetiva del artista.
Uno de los principales creadores y precursor del movimiento fue Paul Wegener, quien anteriormente hubiera formado parte de la compañía teatral de Max Reinhardt. De 1913 data su film como actor, El estudiante de Praga (dirigida por Stellan Rye) y de 1914 su desaparecida primer versión de El Golem (junto a Henrik Galeen); ambas películas tendrían remakes. Otra cinta precursora fue Homunculus (1916) de Otto Ripert. Todas ellas anticipan algunas características que serán fundamentales para el cine expresionista.


Con El gabinete del doctor Caligari, (1919) película inspirada en una serie de crímenes que tuvieron lugar en Hamburgo, inicia formalmente el expresionismo. El filme narraba los asesinatos que cometía Cesare, bajo las órdenes hipnóticas del doctor Caligari, temible personaje que recorría las ferias de las ciudades alemanas exhibiendo a su "sonámbulo". La idea de los guionistas era la de denunciar la actuación del Estado alemán durante la primera guerra mundial.


Pero Robert Wiene, el director, añadió dos nuevas escenas al guión, una al principio y otra al final, que cambiaron todo el sentido de la historia, pues se convierte en el relato imaginario de un loco que cree ver en el director del hospital psiquiátrico al terrible doctor Caligari, acercándose más a la idea de que se trata de un delirio de Cesare. El principal atractivo de la película reside en su anormalidad escenográfica, con chimeneas oblicuas, reminiscencias cubistas y ventanas con forma de flecha, todo ello con una función dramática y psicológica, y no como algo decorativo, pues todo esto intenta introducirnos en la psique del trastornado protagonista, su enfermizo mundo interior. Muchas otras películas posteriores usarán, aunque sea en forma atenuada, la deformación de los decorados.
Otras características a destacar eran el maquillaje de los actores y su interpretación: la actuación realista es dejada a un lado, demostrando afectación. Si bien es cierto que esta cualidad en la interpretación existe en algunas películas de otros países, en esta es llevado al extremo. Cuando se quiere mostrar sentimientos (miedo, ira, deseo, etc) se hace intentando exteriorizar estas emociones de la forma más exagerada posible, a veces en forma violenta y abrupta, a veces con movimientos entrecortados y mecánicos, sumándole a esto un excesivo maquillaje.
El gabinete del doctor Caligari obtuvo tal éxito que es, junto al personaje de Charlot creado por Chaplin, el primer gran mito de la historia del cine. Los críticos franceses acuñaron la palabra caligarismo para designar las películas alemanas de la nueva estética. Wiene dirigió varias obras más en años sucesivos, pero jamás conseguiría alcanzar el éxito ni la calidad artística de Caligari. Con la llegada de los nazis al poder decidió exiliarse y falleció en París en 1938.
El expresionismo evolucionó, sustituyendo las telas pintadas por los decorados y dando paso a una iluminación más compleja como medio expresivo. Esto dio origen a una nueva corriente conocida como "Kammerspielfilm", que posee su origen en las experiencias realistas del teatro de cámara de Max Reinhardt, famoso director teatral de la época.
La estética de la Kammerspielfilm se basa en un respeto, aunque no total, de las unidades de tiempo, lugar y acción, en una gran linealidad y simplicidad argumental, que hace innecesaria la inserción de rótulos explicativos, y en la sobriedad interpretativa. La simplicidad dramática y el respeto a las unidades permiten crear atmósferas cerradas y opresivas, en las que se mueven los protagonistas. La trayectoria de esta corriente aparece dominada por dos realizadores, principalmente:
1) Friedrich Wilhelm Murnau, quien fundó su propia productora en 1919, comenzando a dirigir películas en las que trataba de expresar subjetividad con el máximo respeto por las formas reales del mundo. Nosferatu (1922), es un ejemplo de ello, película que cuenta el mito del vampiro y que constituye una de sus obras cumbres. Para rodarla, recurrió a escenarios naturales, enfrentándose a la preferencia expresionista de filmar las escenas en estudio. Murnau logra crear una atmosfera inquietante sin recurrir al aparato escenografico distorsionado y antinaturalista del primer cine expresionista.


Con la introducción de elementos reales en una historia fantástica logra potenciar su veracidad. Además hizo uso del acelerado y del ralentí, y del empleo de negativo para marcar el paso del mundo real al ultrarreal.
2) Junto a Murnau, el austriaco Fritz Lang es otro de los maestros de la escuela expresionista. Su debut como realizador se produce en 1919 con la película Die Spinne, pero alcanza el éxito y el reconocimiento con Der mude Tod, en 1921, que narra la lucha entre el amor y la muerte. Esta obra causó gran impacto en el director español Luis Buñuel. En su siguiente obra, Los Nibelungos (1924), Lang tuvo ocasión de poder demostrar toda su madurez;´el dragón que aparece al inicio del filme es una de las criaturas más impresionantes de la historia de los efectos visuales.
Metrópolis (1927), será su obra definitiva. En ella, jugará con espacios, volúmenes y claroscuros. Lang consegue en este filme imágenes que pasaron a la historia del cine: su opresivo mundo subterráneo, el relevo de turno de los obreros, la inundación, el pánico en la ciudad, etc. Metrópolis representa el apogeo del expresionismo de orden arquitectónico como Caligari lo fue en el pictórico. También es, junto al Fausto de Murnau, filmado el mismo año, el último representante del movimiento expresionista.

viernes, 27 de enero de 2012

CORRE, LOLA, CORRE O LA ESTÉTICA DE VIDEOJUEGO


TÍTULO ORIGINAL: Lola rennt
AÑO: 1998
DURACIÓN: 87 min.
PAÍS: Alemania
DIRECTOR: Tom Tykwer
GUIÓN: Tom Tykwer
MÚSICA: Tom Tykwer, Johnny Klimek, Reinhold Heil
FOTOGRAFÍA: Frank Griebe
REPARTO: Franka Potente, Moritz Bleibtreu, Herbert Knaup, Nina Petri, Joachim Król, Armin Rohde, Heino Ferch, Suzanne von Borsody, Sebastian Schipper

Lola recibe una llamada de su novio Manni; él debía entregar una mochila con cien mil francos a un gangster pero perdió el paquete en el metro y sólo quedan veinte minutos para que el mafioso se encuentre con él. Si Manni no tiene el dinero, será su fin.
Este es el punto de partida de la exitosa película alemana Corre, Lola, corre, un producto de gran complejidad visual y narrativa. Con sólo veinte minutos, Lola buscará salvar a su novio de la muerte en un viaje que recuerda, al menos en su estructura, a los videojuegos: el personaje se convierte en una especie de héroe que tiene que cumplir con una misión. La película, asimismo, se despliega en tres distintos finales, dos trágicos y uno feliz, que acentúan la sensación de juego (si el personaje falla en su objetivo se reinician las acciones a partir de que cuelga el teléfono y tiene otra oportunidad para lograr salir bien librado).
Además, en cada uno de los segmentos vemos como Lola y Manni toman diferentes decisiones que los conducen hacia un desenlace distinto. Pero esto no se detiene con ellos, pues en su carrera Lola se topa con numerosos personajes y según lo que ella hace, el destino de los otros cambia. Así, los finales son diferentes en cada ocasión, no sólo para los dos protagonistas, sino para todos los demás.
Finalmente, cabe destacar la cantidad de recursos empleados en el filme, el cual se nota diferente desde sus títulos iniciales (en los que un conjunto de aficionados forman el título de la película) hasta la utilización a lo largo de la película de instantáneas, cámara lenta, animación, tomas enloquecidas desde todos los ángulos posibles.
Hay quien piensa que, por este empleo de recursos, la película de Tom Tykwer (El perfume) es superficial. Un terrible error: la profundidad de la cinta se encuentra en la idea de cómo nuestras acciones afectan el destino de los demás.
Esta cinta es entretenimiento de calidad.

jueves, 26 de enero de 2012

GRANDES DIRECTORES: STANLEY KUBRICK (1928-1999).


Con sólo trece películas en toda su carrera, Stanley Kubrick es un referente de la cinematografía mundial. Este director norteamericano nació en un barrio del Bronx de Nueva York, en el seno de una familia de clase media-alta de origen judío. Desde muy joven mostró su interés por la fotografía, que practicaba con una cámara Reflex, regalo de sus padres. Otras aficiones eran la música en general, el jazz en particular (llegó a tocar la batería en la Taft Swing Band) y el ajedrez.
Day of the Fight (1951) sería su primera filmación: un documental de 13 minutos, (sobre la base de un trabajo fotográfico hecho por él mismo para la revista Look acerca del boxeador Walter Cartier), que financió con su propios ahorros a los 23 años, aprendiendo a usar el equipo por la persona que se lo rentó. El documental fue comprado por RKO para incorporarla en la serie This is America que fue proyectado en el Paramount Theatre, en New York, dándole a Kubrick un pequeño beneficio económico. La propia RKO le adelantó dinero para el siguiente documental de 9 minutos llamado Flying Padre (a través del cual sacó el título de piloto, aunque años más tarde se negaría a seguir volando), que narraba la vida de un sacerdote que viaja en avioneta de pueblo en pueblo en el estado de Nuevo México. El último de sus documentales que duró 30 minutos sería The Seafarers, su primer trabajo en color.
Su primer largometraje es Fear and Desire (1953), que financió con 13,000 dólares obtenidos de préstamos familiares. El filme trata acerca de un pelotón de soldados que lucha en una tierra sin nombre.
Aunque la película tuvo escaso éxito, le permitió financiar parte de su siguiente trabajo, El beso del asesino (Killer's Kiss) (1955). La película de suspenso muestra la relación entre un boxeador y la mujer de un mafioso. La película contó con pocos medios, pero el trabajo de Kubrick con la fotografía en blanco y negro llamó la atención de James B. Harris, un productor de la NBC.
Kubrick y Harris se asociaron en una productora y de su unión surgió Casta de malditos (The Killing) (1956), su primer gran filme: en él, Kubrick relata la historia del atraco a un hipódromo. Su utilización del tiempo cinematográfico supuso una innovación para la época, además de servir de influencia para otros directores (se nota la influencia de Kubrick en la ópera prima de Quentin Tarantino, Perros de reserva).
Casta de malditos atrajo las miradas de algunos personajes de Hollywood como Dore Schary, el jefe de producción de MGM. Patrulla infernal (Paths of Glory) (1957), basada en una novela de Humphrey Cobb, con Kirk Douglas encabezando el elenco, sería su siguiente proyecto. Douglas interpretaba al coronel Dax, encargado de defender a sus soldados, acusados de cobardía ante el enemigo, en el marco de la guerra de trincheras de la Primera Guerra Mundial El mensaje antibelicista de la cinta hizo que en Francia, a cuyo ejército pertenecían los protagonistas, estuviera prohibida durante décadas.
Tres años después y tras un proyecto fallido de Kubrick con Marlon Brando, Kirk Douglas acudió a él: buscaba un director para sustituir al saliente Anthony Mann al frente de Espartaco (1960). Kubrick aceptó y aunque la película fue un éxito comercial y ganó tres premios oscar, nunca fue del agrado de Kubrick, quien no pudo intervenir en el guión (algo que sí logró en todos sus otros proyectos antes y después de Espartaco).
Con el impulso que su carrera había obtenido, Kubrick realizó Lolita (1962). Tras arduas negociaciones, convenció al escritor Vladimir Nabokov no sólo para que aceptase vender los derechos de su novela, sino para que fuese él mismo quien adaptara el guión, aunque posteriormente Kubrick solo conservó una parte de su trabajo. La película fue muy polémica, ya que narra la seducción de una menor de edad por la parte de un hombre maduro, y dirigentes conservadores exhortaron a no ver la película. Kubrick sustituyó la lujuria que el profesor sentía por Lolita en la novela de Nabokov, por amor, evitando así la menor injerencia posible de la censura.


Tras el éxito de Lolita, se permitió afrontar proyectos más arriesgados. En plena guerra fría, Kubrick comenzaría a rodar Dr. Insólito o: cómo aprendí a dejar de preocuparme y a amar la bomba (Dr. Strangelove or how I learned to stop worrying and love the bomb), en 1964. Aunque en un principio pretendía abordar de forma dramática la novela la posibilidad de un conflicto atómico, a medida que se iba documentando encontraba aspectos cada vez más hilarantes y estúpidas sobre la estrategia nuclear de ambos bloques, de forma que decidió realizar una comedia de humor negro. El actor británico Peter Sellers, se encargó de dar vida a tres personajes de la cinta. La película nos muestra cómo un acceso de locura del general Ripper, quien ordena a varios bombarderos intercontinentales estadounidenses B -52 atacar su objetivos en suelo ruso con armas nucleares, provoca que se haga realidad la tan temida MAD (Destrucción mutua asegurada). El filme resultó ser una dura crítica a la paranoia anticomunista estadounidense y su escena del mayor montado sobre la bomba atómica mientras ésta cae es una referencia obligada.
En 1968 Kubrick alcanzaría la cumbre de su carrera con 2001: odisea del espacio (2001: A Space Odyssey). La creación de los efectos especiales duró dos años; el presupuesto prácticamente se duplicó (de 5.5 millones de dólares creció a 10); pero el mayor reto sería ante una audiencia que no estaba acostumbrado a lo que el director les presentaría: el filme sólo contiene 40 minutos de diálogo para un metraje de 141 minutos. Así, Kubrick realizó una de las películas más complejas, vanguardistas y arriesgadas de la historia del cine. Otro aspecto notable es la música: descartó la banda sonora que originalmente había compuesto Alex North, y usó las composiciones clásicas, además de la música vanguardista del compositor rumano, György Ligeti.
Kubrick recibió un obsequió de Terry Southern: la novela La naranja mecánica (A clockwork orange) de Anthony Burgués. El director leyó el libro de un tirón y decidió filmarlo. La historia narra a modo de sátira las correrías de Alex, un joven cuyas distracciones son la violación, la ultraviolencia y Beethoven. El filme retoma el lenguaje empleado en el libro que usó variantes del ruso con el inglés de la calle llamado Nadsat. El director buscó locaciones en Inglaterra mediante revistas de arquitectura contemporánea y solo construyo 3 sets en los estudios Borehamwood: el bar Korova, la prisión y el baño en la casa del escritor. La naranja mecánica presenta algunas innovaciones en el aspecto técnico como le empleo de lentes más rápidos, cámaras ligeras de mano, y los micrófonos Sennheiser Mk. 12, que permitieron no tener que volver a grabar diálogo alguno tomado de la escena en vivo, así como el uso de nuevos equipos de iluminación como los reflectores de quarzo Lowell de 1000 watts, que le permitió a Kubrick girar la cámara en cualquier dirección sin preocuparse por capturar algún equipo luminotécnico en la habitación.


Estrenada en Estados Unidos 1971 y en Inglaterra en 1972, la película despertó una controversia nunca antes vista en el Reino Unido para un filme, en torno al contenido de la misma y sus repercusiones en los espectadores, dividiendo a los críticos, generando debates públicos en la prensa escrita, la televisión y la radio.
Su siguiente producción fue Barry Lyndon (1975), basada en la novela victoriana de William Makepeace Thackery que narra la historia de la ascensión y caída de un muchacho en la Europa del siglo XVIII. El extremo cuidado por el detalle de Kubrick se hace manifiesto en el proceso de la película usando libros de arte y documentos de la época para buscar locaciones, crear objetos, coches y el vestuario que fue confeccionado usando como modelos ropa de aquel siglo siguiendo las técnicas de costura que se emplearon originalmente contratando a 35 sastres que trabajaron durante 6 meses. Ante la insistencia del director, los interiores se rodaron exclusivamente con la luz de las velas. Precedida de gran expectación debido a sus dos títulos anteriores y su efecto en el público, la película fue recibida con críticas mixtas a mediados de los setentas, y falló en la recaudación de taquilla inicial a pesar de los 4 premios oscar que obtuvo en 1975. Desde entonces la película ha ganado lugares dentro del legado del director por sus logros técnicos y artísticos.
Después de leer la novela del escritor Stephen King, Kubrick se decidió por su siguiente proyecto: El resplandor (1980). La versión de Kubrick es una variación sobre la versión del libro, especialmente en el carácter del protagonista y sus motivaciones. La película muestra la transformación del personaje de Jack Torrance (Jack Nicholson), un escritor que cuida el hotel durante el intermedio de temporada, presentándolo como un ser temperamental y con una progresiva perturbación que afecta finalmente la seguridad de su propia familia. Kubrick hizo uso extensivo de una innovación reciente, el Steadycam, un giroscopio estabilizador que permitía a la cámara desplazarse a través del espacio sin vibraciones, lo cual le permite filmar de manera efectiva al hijo de Torrance, interpretado por Danny Lloyd, sobre su triciclo de plástico a través de los corredores del hotel o a Nicholson caminado por el laberinto del jardín. La película obtuvo buena respuesta del público y taquilla, pero la crítica volvió a dividirse en torno este trabajo del director estadounidense.


Transcurren siete años hasta que aparece su siguiente película, Cara de guerra (Full Metal Jacket), en 1987, donde vuelve a tocar el tema bélico, esta vez la Guerra de Vietnam. La película tiene dos partes claramente diferenciadas: la preparación de los soldados en la base de Marines de Parris Island en Carolina del Sur, Estados Unidos, y la guerra en sí, ubicada en la ciudad vietnamita de Hué.
Finalmente Kubrick realizó Ojos bien cerrados (1999), basada en la novela Traumnovelle, de Arthur Schnitzler. La historia original está situada en la Viena del siglo XIX pero la película se ubica en el Nueva York actual, narrando la vida una pareja de clase alta que vive aparentemente una feliz vida en común, pero que los sueños y fantasías sexuales manifestadas en un momento de intimidad empiezan a desestabilizar la relación. El filme contó con un matrimonio en la vida real de las estrellas de Hollywood de aquel momento, Tom Cruise y Nicole Kidman. La película nuevamente generó polémica, en torno a la censura que recibió la cinta en la versión para los Estados Unidos donde digitalmente se taparon las zonas genitales de ciertos extras durante una orgía. Ojos bien cerrados fue recibido con tibieza por parte de un sector de la crítica, y con entusiasmo por otros sectores, especialmente la crítica francesa que incluso le dio el premio a la mejor película extranjera en el año. El presupuesto del filme ascendió a 65 millones de dólares.
Días después de acabar de montar la película, a los 70 años, Stanley Kubrick moría en la cama de su residencia de Hertfordshire, al sureste de Inglaterra, de un ataque al corazón.

miércoles, 25 de enero de 2012

FILM NOIR: ALGUNAS GRANDES CINTAS


Resultaría muy difícil para mí hacer un top 10 de filmes noir, puesto que no puedo ser muy objetivo al respecto (junto con la ciencia ficción, es mi género favorito) y seguramente ampliaría ese listado considerablemente, dejando varios empates en los primeros sitios; por tanto, presentaré a continuación una lista de grandes películas de cine negro que merecen verse, sin recurrir a una valoración o a un puntaje, de forma cronológica. Tómese simplemente como una serie de recomendaciones para todo aquel que desee conocer el género.
También debo aclarar que los siguientes títulos pertenecen exclusivamente a cintas pertenecientes al noir clásico (1941-1958). Nuevamente, las sinopsis se extraen de la siguiente página: http://www.filmaffinity.com/es/main.html


The maltese falcon (John Huston, 1941). En el siglo XVI, los Caballeros de la Orden de Malta obsequiaron al Emperador Carlos V con la estatuilla de un halcón de oro macizo e incrustaciones de piedras preciosas. Era una muestra de gratitud por ciertas prerrogativas que el monarca les había concedido. Sin embargo, la joya no llegó nunca a manos del Emperador, ya que la galera que la trasportaba fue asaltada por unos piratas. Cuatrocientos años después, el detective privado Sam Spade y su socio, Archer, aceptan el encargo de una joven que quiere encontrar a su hermana, que ha desaparecido con un tal Floyd Thursby, un hombre sin escrúpulos.

High sierra (Raoul Walsh, 1941). Roy Earle sale de prisión antes de cumplir condena gracias a su buena conducta y a la fianza depositada por Big Mac, jefe de la banda a la que perteneció. Poco después, un miembro de la banda le comunica que Big Mac, que prepara un nuevo golpe, le espera en California. Roy, pese a su intención de cambiar de vida, decide acudir a la cita. En su viaje a través del país, entabla amistad con una humilde familia de granjeros, cuya nieta, Vilma, conquista su corazón.

Double indemnity (Billy Wilder, 1944). MacMurray es un vendedor de seguros que, en connivencia con Barbara Stanwyck, elabora un plan para asesinar al marido de ella y quedarse con el dinero de su seguro. Obra cumbre del género, uno de los ejercicios de suspense más fascinantes de todos los tiempos.

The woman in the window (Fritz Lang, 1944). El profesor Wanley y sus amigos comienzan a obsesionarse con el retrato de una bella muchacha, que está expuesto en el escaparate contiguo al club en que se reúnen. Wanley conoce a la mujer del retrato y acepta ir a su apartamento. Pero allí ocurrirá algo inesperado.

Laura (Otto Preminger, 1944). El detective Mark McPherson investiga el asesinato de Laura, una elegante y seductora mujer que aparece muerta en su apartamento. McPherson elabora un retrato mental de la joven a partir de las declaraciones de sus allegados. El sugestivo retrato de Laura, que cuelga de la pared de su apartamento, también le ayuda en esta tarea.

Scarlet Street (Fritz Lang, 1945). Christopher Cross es un simple cajero infelizmente casado, pero tiene un raro talento para la pintura. En cierta ocasión, conoce a una aventurera de la que se enamora y le hace creer que es un pintor de éxito. La chica y su novio, un individuo sin escrúpulos, aprovechan la ocasión para explotar al pobre hombre, que llegará incluso a cometer un desfalco en su empresa para que ella siga creyendo que es un artista de éxito.

Mildred pierce (Michael Curtiz, 1945). El segundo marido de una mujer (Joan Crawford) ha sido asesinado y ella es interrogada por la policía. La mujer contará cómo ha sido su vida desde que se casó por primera vez y cómo se ha sacrificado para proporcionar a su hija (Ann Blyth) todas las oportunidades que ella nunca tuvo.

Detour (Edgar G. Ulmer, 1945). La vida de Al Roberts, un pianista de Nueva York, se convierte en una pesadilla cuando decide hacer auto-stop para buscar a su novia que vive en Los Ángeles. Una noche lluviosa, el hombre que lo lleva en su coche muere...

The postman always rings twice (Tay Garnett, 1946). Durante la Gran Depresión, Frank Chambers, un hombre sin rumbo, comienza a trabajar en un bar de carretera, regentado por un hombre mayor y por Cora, su joven, bella e infeliz esposa.

The killers (Robert Siodmak, 1946). Un boxeador en declive trabaja para una banda de delincuentes. Lo ha reclutado la amante del jefe simulando que está enamorada de él...

The big sleep (Howard Hawks, 1946). Un general millonario y excéntrico tiene dos hijas que están involucradas en asuntos más bien turbios. Por esta razón, llama al detective privado Philip Marlowe, para que le ayude a solucionar sus problemas familiares. Marlowe comienza a investigar, pero descubre que cada uno de los problemas se ramifica, y el caso se convierte en una auténtica maraña.

Gilda (Charles Vidor, 1946). Johnny Farrell (Glenn Ford), un aventurero que vive de hacer trampas en el juego, recala en Buenos Aires. Allí lo saca de un apuro Ballin Mundson, el propietario de un lujoso casino, que acaba haciendo de él su hombre de confianza. Un día, su jefe le presenta a su esposa Gilda. Su sorpresa no tiene límites: fue ella precisamente quien lo convirtió en lo que es: un ser cínico y amargado.

The lady from Shanghai (Orson Welles, 1947). Michael O'Hara (Orson Welles), un marinero irlandés, entra a trabajar en un yate a las órdenes de un inválido casado con una mujer fatal (Rita Hayworth) y queda atrapado en una maraña de intrigas y asesinatos.

Dark passage (Delmer Davis, 1947). Un hombre (Bogart) que ha sido injustamente encarcelado por el asesinato de su mujer escapa de la prisión con la intención de probar su inocencia. Una atractiva desconocida (Bacall) le presta ayuda, porque su padre también fue víctima de un error judicial.

The Unsuspected (Michael Curtiz, 1947). Un criminólogo, que es también una estrella de la radio, se ve involucrado en un caso semejante a los que trata en su programa radiofónico.

Dead reckoning (John Cromwell, 1947). Rip Murdock (Bogart) es un ex-soldado que intenta averiguar quién ha tendido una trampa a su amigo Johnny, acusándole de asesinato para matarle después. Siguiendo el oscuro pasado de su compañero en la guerra, llega hasta Coral Chandler, la antigua novia de Johnny. Rip, cautivado por la belleza de la joven, se deja atrapar en una maraña de mentiras.

Out of the past (Jacques Tourneur, 1947). Jeff Bailey, un antiguo detective, regenta una gasolinera en un pequeño pueblo, donde lleva una vida tranquila y sencilla. Sus amores son la pesca y una jovencita con la que quiere casarse. Inesperadamente, recibe la visita de un viejo conocido que le anuncia que el jefe quiere verlo. Bailey se ve entonces obligado a contarle a su novia su turbio pasado: contratado por un hampón, Whit Sterling, para buscar a su amante, Catie Moffett, que se había fugado con una importante suma de dinero, consiguió localizarla en Acapulco, pero se enamoró de ella. Ahora la encuentra de nuevo en brazos de Sterling y empieza a sospechar que lo que éste pretende es vengarse de él por haberlo traicionado.

Key Largo (John Huston, 1948). Frank McCloud (Humphrey Bogart) es un veterano de guerra que viaja a Cayo Largo, en Florida, para visitar al padre (Lionel Barrymore) y a la viuda (Lauren Bacall) de un compañero muerto en combate. Pero su estancia se complica, ya que en su hotel se aloja también una banda de gángsters que, aprovechando una fuerte tormenta, los toman como rehenes.

The third man (Carol Reed, 1949). Guerra Fría, Viena, 1947. El norteamericano Holly Martins, un mediocre escritor de novelas del Oeste, llega a la capital austriaca cuando la ciudad está dividida en cuatro zonas ocupadas por los aliados de la Segunda Guerra Mundial. Holly va a visitar a Harry Lime, un amigo de la infancia que le ha prometido trabajo. Pero su llegada coincide con el entierro de Harry, que ha muerto atropellado por un coche. El jefe de la policía militar británica le hace saber que su amigo estaba gravemente implicado en el mercado negro. Adaptación de la novela homónima de Graham Greene.

White heat (Raoul Walsh, 1949). Después de asaltar un tren que transportaba 300.000 dólares y asesinar a los maquinistas, Cody Jarret y su banda huyen con el dinero, pero son perseguidos por agentes federales que sospechan que Cody es el autor del robo. Una vez preparada una coartada perfecta, Cody se entrega a la policía y es condenado sólo a dos años de prisión; sin embargo, los agentes del Tesoro, convencidos de que fue el cerebro del asalto, le tienden una trampa.

In a lonely place (Nicholas Ray, 1950). Steele, un guionista con fama de conflictivo y violento, tiene que afrontar la difícil tarea de adaptar un best-seller de nula calidad literaria. Casualmente se entera de que Mildred, la chica del guardarropa del club que frecuenta, ha leído la obra en cuestión. Decide entonces llevársela a su casa para que le cuente el argumento. Pero, a la mañana siguiente, la policía se presenta en su casa y le comunica que Mildred ha sido asesinada, y Steele se convierte en el principal sospechoso.

The asphalt jungle (John Huston, 1950). La meticulosa planificación de un atraco a una joyería, por parte de una banda de delincuentes, le sirve a Huston para ofrecer un poderoso relato lleno de intensidad, amén de un realista e insuperable estudio de personajes y sus motivaciones. Sin lugar a dudas, una de los mejores películas del cine negro de todos los tiempos, con el gran Hayden y una seductora y sexy Marilyn Monroe.

Sunset Boulevard (Billy Wilder, 1950). Joe Gillis es un joven escritor de segunda fila que, acosado por sus acreedores, se refugia casualmente en la mansión de Norma Desmond, antigua estrella del cine mudo, que vive fuera de la realidad, acompañada únicamente de su fiel criado Max. A partir de ese momento, la actriz pretende que Joe corrija un guión que ella ha escrito y que va a significar su regreso al cine.

Angel face (Otto Preminger, 1952). Frank Jessup es un enfermero de urgencias que acude a una mansión para atender a la señora Tremayne que, según parece, ha intentado suicidarse. Sin embargo él sospecha que en realidad alguien ha intentado asesinarla. Allí conoce también a Diane, la hijastra de la señora Tremayne, una joven delicada, sensual y un tanto inestable, ante la que cae rendido inmediatamente.

The big heat (Fritz Lang, 1953). Un policía, Tom Duncan, se suicida y deja una carta en la que confiesa haber pertenecido a una banda de gángsters, pero también denuncia la corrupción de altos funcionarios. Su viuda esconde la misiva con la intención de sacarle provecho. Mientras, el sargento Dave Bannion trata de resolver la muerte de Duncan.

Human Desire (Fritz Lang, 1954). Carl Buckley (Broderick Crawford), un maquinista ferroviario que teme perder su empleo, pide a su mujer, Vicky (Gloria Grahame), con la que mantiene una fría relación, que interceda por él ante un ejecutivo de la compañía, con el que ella había tenido relaciones íntimas antes de casarse. Cuando Carl se entera del precio que Vicky ha tenido que pagar para evitar su despido, asesina al directivo, durante un viaje en tren. Al mismo tiempo, otro ferroviario llamado Jeff Warren (Glenn Ford) se enamora de Vicki, y ésta le confiesa el chantaje a que la somete su marido.

The night of the hunter (Charles Laughton, 1955). Tras realizar un atraco en el que han muerto dos personas, Ben Harper regresa a su casa y esconde el botín confiando el secreto a sus hijos. En la cárcel, antes de ser ejecutado, comparte celda con Harry Powell y en sueños habla del dinero. Tras ser puesto en libertad, Powell, obsesionado por apoderarse del botín, va al pueblo de Harper, enamora a su viuda y se casa con ella.

The killing (Stanley Kubrick, 1956). Johnny Clay, un expresidiario, ha decidido dar el último golpe de su vida: llevarse la recaudación de un hipódromo. Selecciona meticulosamente a sus colaboradores, y planea la estrategia del asalto con precisión insospechada...

Party girl (Nicholas Ray, 1958). El abogado Thomas Farrell presta sus servicios a Rico Angelo, el gángster más poderoso de Chicago. Un día, se enamora de Vicki Gaye, una bailarina que acude a todas las fiestas de la mafia. Aunque Farrell intenta dejar de trabajar para Rico Angelo, éste se lo impide amenazando a Vicki.

Touch of evil (Orson Welles, 1958). Un agente de la policía de narcóticos (Heston) llega a la frontera mexicana con su esposa justo en el momento en que explota una bomba. Inmediatamente se hace cargo de la investigación contando con la colaboración de Quinlan (Welles), el jefe de la policía local, muy conocido en la zona por sus métodos expeditivos y poco ortodoxos. Una lucha feroz se desata entre los dos hombres, pues cada uno de ellos tiene pruebas contra el otro.

FILM NOIR


El film noir o cine negro es un género cinematográfico que se desarrolló principalmente en USA, teniendo su origen en la década de los cuarenta. Nace de una mezcla de dos géneros, uno literario y el otro cinematográfico: en literatura, su influencia son las novelas Hard-boiled, de las que extrajo los elementos narrativos que las conforman: el ambiente de corrupción que permea en el mundo retratado en los film noir, la trama detectivesca y los arquetipos que dan vida a los personajes: el detective lacónico, cínico y desencantado que ha dejado de ser un héroe para convertirse en un antihéroe; la prostituta con el corazón de oro, el jefe de policía corrupto y la femme fatal o mujer fatal, que conduce al protagonista a una espiral de podredumbre aún mayor.
El otro género del cual nace el film noir es el cine expresionista alemán. Si del Hard-boiled se toman los elementos para el guión, es del movimiento expresionista de donde parte su estética: el juego de luces y sombras; tomas atípicas, siendo las predominantes el picado (se sitúa la cámara por encima del personaje para achicarlo frente a la situación que vive) y el contrapicado (la cámara es puesta por debajo del sujeto a grabar, lo que genera una impresión de grandeza).
Estas películas e caracterizan por una iluminación tenebrosa en claroscuro, escenas nocturnas a veces por calles de pavimento húmedo y resbaladizo, el uso de sombras para realzar la psicología de un carácter (planos de sombra en la cara que sugerían el lado oscuro no revelado de la personalidad) o la situación narrativa (por ejemplo, sombras en forma de reja que daban sensación de estar atrapado), un marco claustrofóbico y composiciones desequilibradas. Algunos de estos efectos eran especialmente impactantes en blanco y negro.
Estos filmes tienen un aire pesimista y transcurren en una sociedad violenta, corrupta y falsa que amenaza al héroe y a veces también a otros personajes. Incluso cuando el protagonista logra sobrevivir, como en el caso de Sam Spade (interpretado por Humphrey Bogart) en El halcón maltés, persiste una sensación de derrota: Spade tiene que entregar a la policía a la mujer que ama. Lo mismo ocurre con Mildred (Joan Crawford), que aunque logra reunirse con su primer marido al final de Alma en suplicio (1945), dirigida por Michael Curtiz, tanto de la narrativa de la película como de la composición de la imagen final se desprende una sensación de fracaso.
El cine negro pasa por dos períodos: uno clásico y otro moderno. Las películas filmadas durante el primero son conocidas como film noir clásicas; comenzó con la película El halcón maltés (1941) y terminó con la cinta de Orson Welles, Sed de mal (1958). Otros filmes importantes de esta época son: Laura (1944), Double indeminity (1944), Detour (1945), El tercer hombre (1949), Pacto siniestro (1951), Kiss me deadly (1955) y La noche del cazador (1955).


La segunda etapa es conocida como Neo-noir. Los temas modernos empleados en estas películas incluyen, además de los elementos clásicos del género, crisis de identidad, problemas de memoria y subjetividad, además de problemas tecnológicos. La película que inició esta étapa fue Barrio Chino (1974), de Roman Polanski. Otras cintas que entran en esta categoría son: la ópera prima de los hermanos Coen, Blood simple (1983); Terciopelo azul (1986), filme de culto del director David Lynch; Bound (1996), ópera prima de los creadores de Matrix, los hermanos Wachowski; Los Ángeles al desnudo (1997), de Curtis Hanson; Juegos, trampas y dos armas humeantes (1998), del cineasta inglés Guy Ritchie, y Brick (2005), primera película del director Rian Johnson.


Otra característica del Neo-noir es la mezcla de géneros, pues en la búsqueda de nuevos temas y la aparición de otras preocupaciones, el cine negro termina mezclándose con otros géneros. La combinación más común es la de film noir con ciencia ficción: Blade Runner (1982), de Ridley Scott; Dark city (1998), de Alex Proyas, y el anime de culto, Cowboy Bebop (1998-1999), son algunos ejemplos de lo anteriormente expuesto. Pero también resulta habitual la mezcla con el cine de terror [Corazón de ángel (1987), de Alan Parker] y con el cómic [Dick Tracy (1990), de Warren Beatty; Sin city (2005), de Robert Rodríguez; Constantine (2005), de Francis Lawrence].


Debido a esta mezcla, puedo asegurar sin miedo a equivocarme que, afortunadamente, el film noir es un género que seguirá existiendo por mucho tiempo.

martes, 24 de enero de 2012

NOMINADOS OSCAR 2012: ALGUNAS REFLEXIONES

Esta mañana, el presidente de la Real Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas, Tom Sherak, y la actriz Jennifer Lawrence (Winter´s Bone, X-men: first class) dieron a conocer los nombres de los nominados a la entrega de premios Oscar edición 2012. Aquí están las categorías más importantes:


Sin sorpresas para esta categoría. Únicamente la lamentación de que, habiendo la posibilidad de elegir un décimo título, la academia haya hecho a un lado a la estupenda Drive, de Nicolas Winding Refn. La presencia de War Horse, The help y Extremely loud and incredibly close se explica por la preferencia que algunos miembros de la academia demuestran por este tipo de cintas manipuladoras y sentimentaloides (aunque debo de reconocer que Stephen Daldry es el responsable de esa pequeña joya del 2002 titulada Las horas). Asimismo, la inclusión de la cinta de Woody Allen en la terna parece un reconocimiento a su trayectoria más que al filme en sí (aunque, debo reconocer, es la cinta más bella de Allen desde la encomiable La rosa púrpura del Cairo, de 1985).
Así pues, creo que la verdadera competencia se dará entre los otros cuatro títulos, en especial The artist y The descendants. Esto no es arriesgado de pronosticar, tomando en cuenta los resultados de las recientes entregas de premios en donde ambos filmes se han repartido las preseas a la mejor película. En lo personal, preferiría que la estatuilla fuera para la película de Alexander Payne (a quien debemos esas maravillosas cintas Sideways y About Schmidt), pero es probable, dados los gustos de la academia, que prefieran premiar a The artist en esta categoría, debido a su hermoso homenaje al Hollywood clásico.
Lo anterior no quiere decir que las últimas dos cintas a concurso queden fuera. Ganadora de la palma de oro en Cannes, El árbol de la vida podría dar la sorpresa, aunque, debido a sus pretensiones artísticas y ritmo extremadamente lento, la nominación en sí parece ser reconocimiento suficiente para una película densa y difícil. Finalmente, Hugo, la aventura en 3-D de Martin Scorsese, podría asombrarnos (como ya lo hizo al serle otorgado el galardón a mejor película por el National Board of Review).


Este categoría puede resultar más interesante que la anterior en cuanto a que podría resultar menos predecible. Creo que podría eliminarse a Scorsese como posible ganador (pese a su globo de oro), ya que en 2006 ganó la estatuilla en esta categoría por Los infiltrados, siendo hasta ahora su único Oscar. Aunque podría resultar ganador, más para hacer justicia a los años de indiferencia que mostró la academia al no premiarlo por grandes películas como Taxi driver o Buenos muchachos, creo que los miembros esperarán a que Scorsese entregue otra gran película antes de premiarlo con una segunda estatuilla.
También creo que Hazanavicius tendrá que esperar a otra ocasión para recibir la estatuilla, aun si The artist se consagra como la ganadora a mejor película. Es probable que la academia desee ver cómo se desenvuelve  en la presente década la carrera de este director francés de 44 años antes de otorgarle el premio. En ese sentido, creo que existen mayores oportunidades para que Alexander Payne se haga con el premio, pues es probable que los miembros de la academia reconozcan su trabajo con este Oscar y no con el de mejor película.
Finalmente, no se deben descartar a Woody Allen y Terrence Malick, pues es común que la academia busque premiar la trayectoria de los grandes directores aun si las cintas en cuestión no resultan ser las mejores de sus carreras.


Aquí tenemos la primera sorpresa: la nominación del actor mexicano Demian Bichir en la categoría de mejor actor por la cinta A better life. A pesar de que muchos medios de comunicación en mi país han echado las campanas al vuelo, hay que ser comedidos; por muy loable que sea que este actor haya conseguido entrar a la terna final, lo cierto es que carece de posibilidades para imponerse a los demás nominados. También creo que se puede descartar a Gary Oldman, talentosísimo y camaleónico actor que, sin embargo, nunca ha gozado de los favores de la academia y no creo que esta sea la excepción. 
Así es que la competencia queda entre George Clooney (quien ya ha sido galardonado por este papel en el Critics Choice Award, en los Globos de Oro y en el National Board of review), Brad Pitt (a quien la academia le ha negado el Oscar en varias ocasiones y que en esta ocasión podría resultar ganador, si bien su actuación en Moneyball no sería la mejor de su carrera) y Jean Dujardin. Es probable que Clooney se lleve la estatuilla, ya que su único Oscar (Syriana, 2005) fue en la categoría de actor de reparto.


Sin grandes sorpresas, nuevamente. Es agradable ver a Glenn Close de nuevo en la terna después de estos últimos años en que se ha dedicado principalmente a la televisión; sin embargo, no creo que gane. Es probable que Viola Davis también se quede fuera, aunque ella ya tendrá otras posibilidades de mostrar su talento. La nominación de Meryl Streep se veía venir, ya que ¿qué sería de los Oscar sin la participación de Streep en la terna?, pero creo que no irá más allá. Rooney Mara es otra nominación obligada, ya que el personaje de Lisbeth Salander es de enorme complejidad, sin embargo, su carrera es aún muy corta y, salvo su participación en las dos últimas cintas de Fincher, no muy relevante. Por ello, esta es la oportunidad de Michelle Williams por hacerse de la estatuilla, luego de haber salido en blanco en 2005 y 2010, con sus participaciones en Brokeback mountain y Blue valentine.


Si bien es cierto que la selección de los ganadores de estas categorías (actor y actriz de reparto) normalmente   busca impulsar las carreras de los jóvenes intérpretes, lo cierto es que este año parece ser el de la reivindicación de los grandes actores: Max Von Sydow obtiene su segunda nominación al Oscar por  después de 25 años de haber competido por Pelle el conquistador; Nick Nolte nominado por tercera vez después de haberse ido con las manos vacías en 1997 ( por Aflicción) y 1991 (por ese espanto conocido como El príncipe de las mareas); Keneth Branagh, nominado por segunda vez en el ámbito de actuación (no hay que olvidar que también es director y guionista); y el favorito para llevarse la estatuiilla, Christopher Plummer, nominado por segunda vez en su carrera, después de haber competido en 2009 por La última estación, en donde interpretaba al escritor León Tolstoi. Ante estos "pesos pesados", el joven Jonah Hill no parece tener mucha oportunidad.

Pienso que, para mala fortuna de Jessica Chastain, Melissa McCarthy y Janet McTeer, la verdadera competencia se dará entre Berenice Bejo y Octavia Spencer (ganadora del globo de oro). Pero queda la incógnita.


Aquí no hay incertidumbre: la gran ganadora seguramente será la iraní Nader y Simin, una separación, filme que ha arrasado con todos los  premios a mejor película extranjera (Globos de oro, Critics Choice Awards, National Board of Review, Círculo de críticos de New York, British Independent Films Awards), sin contar que se erigió como la gran ganadora en el festival de Berlín. A menos de que cuestiones políticas se interpongan, este filme se llevará la estatuilla.


Esta es la segunda sorpresa de los Oscar: Las aventuras de Tintin: el secreto del unicornio quedó fuera de esta categoria, luego de haber sido la ganadora en los Globos de oro. Y esta es la gran oportunidad para Rango, ese gran homenaje a los spaguetti western que se ha quedado con las manos vacías en otra entregas gracias a la cinta de Spielberg. Las cintas de DreamWorks (Kung fu panda 2 y El gato con botas) son amables entretenimientos pero no pueden competir con el camaleón que interpreta Johnny Deep. Tal vez la española Chico & Rita o la francesa Un gato en París puedan arrebatarle el Oscar a la película de Gore Verbinski, así es que habrá que esperar hasta el próximo 26 de febrero para averiguarlo.

OSCAR 2012: LISTA DE NOMINADOS

MEJOR PELÍCULA
  • The Artist
  • The Descendants
  • Extremely loud and extremely close
  • The help
  • Hugo
  • Midnight in Paris
  • Moneyball
  • The tree of life
  • War Horse


MEJOR DIRECTOR
  • Michel Hazanavicius por ‘The Artist’
  • Alexander Payne por ‘The Descendants’
  • Martin Scorsese por ‘Hugo’
  • Woody Allen por ‘Midnight in Paris’
  • Terrence Malick por ‘The tree of life’


MEJOR ACTOR
  • Demián Bichir por ‘A better life’
  • Jean Dujardin por ‘The Artist’
  • George Clooney por ‘The Descendants’
  • Brad Pitt por ‘Moneyball’
  • Gary Oldman por ‘Tinker, tailor, soldier, spy’


MEJOR ACTRIZ
  • Glenn Close por ‘Albert Nobbs’
  • Rooney Mara por ‘The girl with the dragon tattoo’
  • Viola Davis por ‘The help’
  • Meryl Streep por ‘The iron lady’
  • Michelle Williams por ‘My week with Marilyn’


MEJOR ACTOR DE REPARTO
  • Christopher Plummer por ‘Beginners’
  • Max von Sydow poe ‘ Extremely loud and extremely close ’
  • Jonah Hill por ‘Moneyball’
  • Nick Nolte por ‘Warrior’
  • Kenneth Branagh por ‘My week with Marilyn’


MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
  • Janet McTeer por ‘Albert Nobbs’
  • Bérénice Bejo por ‘The Artist’
  • Melissa McCarthy por ‘Bridesmaids’
  • Jessica Chastain por ‘The help'
  • Octavia Spencer por ‘The help’


MEJOR GUIÓN ORIGINAL
  • Jodaeiye Nader az Simin
  • The Artist
  • Bridesmaids
  • Margin call
  • Midnight in Paris


MEJOR GUIÓN ADAPTADO
  • The descendants
  • Hugo
  • The ides of march
  • Moneyball
  • Tinker, tailor, soldier, spy


MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
  • A cat in Paris
  • Chico & Rita
  • Kung Fu Panda 2
  • El gato con botas
  • Rango


MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
  • Bullhead (Bélgica)
  • In darkness (Polonia)
  • Footnote (Israel)
  • Profesor Lazhar (Canadá)
  • Nader y Simin, una separación (Irán)


MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA
  • The Artist
  • Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2
  • Hugo
  • Midnight in Paris
  • War Horse


MEJOR FOTOGRAFÍA
  • The Artist
  • The girl with the dragon tattoo
  • La invención de Hugo
  • El árbol de la vida
  • War Horse


MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO
  • Anonymous
  • The Artist
  • Hugo
  • Jane Eyre
  • W.E.


MEJOR LARGOMETRAJE DOCUMENTAL
  • Hell and back again
  • If a Tree Falls: A Story of the Earth Liberation Front
  • Paradise Lost 3: Purgatory
  • Pina
  • Undefeated


MEJOR CORTO DOCUMENTAL
  • The Barber of Birmingham: Foot Soldier of the Civil Rights Movement
  • God Is the Bigger Elvis
  • Incident in New Baghdad
  • Saving Face
  • The Tsunami and the Cherry Blossom


MEJOR MONTAJE
  • The Artist
  • ‘The Descendants
  • The girl with the dragon tattoo
  • Hugo
  • Moneyball


MEJOR MAQUILLAJE
  • Albert Nobbs
  • Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2
  • The iron lady


MEJOR BANDA SONORA
  • Las aventuras de Tintin: El secreto del Unicornio
  • The Artist
  • Hugo
  • Tinker, tailor, soldier, spy
  • War Horse


MEJOR CANCIÓN
  • Man or muppet de ‘Los Muppets’
  • Real in Rio de ‘Rio’


MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN
  • Dimanche/Sunday
  • The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore
  • La Luna
  • A Morning Stroll
  • Wild Life


MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN
  • Pentecost
  • Raju
  • The Shore
  • Time Freak
  • Tuba Atlantic


MEJOR SONIDO
  • The girl with the dragon tattoo
  • Hugo
  • Moneyball
  • Transformers: El lado oscuro de la luna
  • War Horse


MEJOR MONTAJE DE SONIDO
  • Drive
  • The girl with the dragon tattoo
  • Hugo
  • Transformers: El lado oscuro de la luna
  • War Horse


MEJORES EFECTOS VISUALES
  • Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2
  • Hugo
  • Real steel
  • The rise of the planet of the apes
  • Transformers: El lado oscuro de la luna